entrevista a ivana ferrer

Bocetos de la obra de Verónica Luyo y Carolina Rieckoff

Verónica Luyo y Carolina Rieckoff

Verónica y Carolina son dos escultoras de la facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Ambas radican actualmente en Barcelona y decidieron trabajar juntas para esta muestra. La obra tiene que ver con este objeto que está siempre en la esquina, remitiéndonos así al castigo, a la delimitación de un territorio, a la madre desde un sentido institucional. Este objeto y su relación con el espacio está asociado a la idea de rechazo y a lo abyecto.

Imágenes base para la creación de la obra

"Para estas almas desposeidas (se refiere a los insectos, los cuales no poseen subjetividad) el espacio parece ser una fuerza devoradora. El espacio las persigue, las rodea, las digiere en una gigante fagocitosis (consumo de bacterias). Termina reemplazándolas. Entonces el cuerpo se separa del pensamiento, el individuo rompe la frontera de su piel y ocupa el otro lado de sus sentidos. Trata de mirarse a si mismo desde cualquier punto del espacio. Se siente convirtiéndose en espacio, espacio oscuro donde no se pueden poner las cosas. Es similar, no similar a algo, sino simplemente similar. E inventa espacios de los que el es la "posesión convulsiva". Roger Caillois, en "El retorno de lo real".

En base a esta cita Verónica nos dice:

"Nuestro trabajo se sitúa en el momento del rompimiento del cuerpo. A diferencia de estos insectos que se camuflan por instinto de protección, el rompimiento del que hablamos surge a partir de una confrotación a la norma, de un mecanismo de control instaurado en nosotros que nos infrige un autocastigo."

1232 km en 32 horas

El lunes 19 de Mayo, después de haber evitado el trafico de la hora punta de Madrid arrancamos hacia el sur surcando la nacional 4.

540 km hacia Sevilla entre canciones y bocadillos de jamón ibérico y queso curao´ llegamos hacia las 3 de la tarde a la ciudad andaluza. En la plaza de San Pedro, en una esquina encontramos a Estrella, que algunos conoceréis por el magnifico trabajo que hizo en el CCE Lima. En la taberna de Los Coloniales entre tapas esperamos a las pintoras andaluzas. Tras unas bravas, croquetas, chopitos, solomillo con roquefort… aparecen María José Gallardo y Gloria Martín. Dos chicas de acento andaluz y ojos brillantes.
- Lo vés- dice Gloria mirando a María José- Ya te decía yo que no podía tener 40 años. Pero si es una niñata… (Paloma y yo nos reímos con la expresión… ¿será bueno? Jajaja Paloma es muy seria cuando quiere).

Entre risas cruzamos el barrio hacía la Alameda en busca del Taller de María José. Un piso de techos altos en el centro de Sevilla. Sentadas en un sofá delante de un enorme graffiti comenzamos a conversar sobre compañeros de profesión, galerías y el currículum de las artistas.
Su taller solía ser vivienda familiar y durante ocho años, algunas de las habitaciones servían de sala de exposición alternativa a la que se unían jóvenes y grandes artistas andaluces con propuestas arriesgadas, que en otros lugares no se habrían expuesto. Las paredes se engalanan de pequeñas obras de amigos de María José dando a la sala de trabajo un toque acogedor de colores. María José nos explica “Vitrina de trofeos” (ref. Video) Nos enseña cuidadosamente lo que ha creado para re-genero. En su voz se aprecia el cariño que ha puesto en cada lienzo, la obra la ha creado basándose en su madre y realizándole un homenaje.
Sobre las 7 y pico caminamos pasando la calle Feria. El taller de Gloria esta en un edificio de ladrillo. Cruzando un arco entras en un patio estrecho donde se encuentra el portal, entramos en el estudio donde enfrentadas están dos obras de la artista que simulan casas de muñecas. En el centro, una mesita y sobre ella “El hogar de los milagros” meticulosamente empaquetado. Con su dulzura característica, Gloria nos explica en que consiste la composición de 50 pequeños lienzos. Su familia, su novio, su abuela… pequeños recuerdos estampados.

Ambas nos acompañan al punto de referencia y se despiden deseando que sepamos transmitir su entusiasmo por la exposición.

A las 9 nos encontramos con Pilar Cano en la puerta de su estudio. Subimos a la azotea y allí esta su pequeña cabaña de paredes blancas. La habitación de puerta verde esta llena de pinturas y lienzos muestra del trabajo que realizan ella y su novio Antonio Prieto, otro gran artista Sevillano.
La azotea es una gran terraza con puertas a los trasteros y el taller de Pilar. Pero es un lugar excepcional ya que se encuentra en el centro de Sevilla y a esta hora ya ha salido la luna y nos muestra la ciudad con luz azul. Delante del edificio, la escuela de bellas artes se ilumina con la luz anaranjada de las farolas. Con una botella de vino animamos a Pilar a que nos cuente su juego. Una a una coloca cuidadosamente las piezas sobre las baldosas de la terraza y nos cuenta el porque de esta Juego de Memoria. De forma extraña, mientras se explica, Pilar en el suelo con las pequeñas piezas vuelve a ser la niña que juega con esos recortables. Su mirada tímida y alegre nos muestra lo que significan para ella todas esas frases y dibujos sobre las tablas de madera.

El Martes por la mañana volvemos al coche y ponemos rumbo a Granada.
258 km que nos separan del palacio de la Alambra. El camino entre los campos andaluces se hace corto y llegamos sobre las 2 de la tarde. Jesús, un caballero granadino, nos acompaña a una taberna para comer. Unas gambas, berenjenas… de nuevo tapas y un café antes de partir al encuentro de Marina R. Vargas.
Llegamos a un barrio de las afueras de Granada pasada la Chana y allí encontramos un edificio de ladrillo desgastado, con rejas negras en las ventanas y una valla antigua de ladrillo y verja color verde cobre. Marina nos acompaña rodeando el edificio. Mientras atravesamos pequeñas salas llenas de lienzos y piezas nos explica que el edificio perteneció a su abuela y tiene mas de 120 años. Ahora su padre y ella lo comparten como taller. Tras subir unas escaleras, allí están los lobos. Marina nos comenta “Nacida del Lobo”, el uso de los colores y lo que pretende expresar con su arte. Les hace las últimas fotos a su escultura y tras el puzzle del maletero partimos hacia Madrid.

434 km hacia Madrid. El sol se pone acompañando nuestro viaje y la luna llena naranja e inmensa da paso a la noche. Los lobos desde el maletero la miran con intensidad. La película ha tenido un final brillante.

Helena Álvarez ( Asistente de Re Genero en España)

KAREN MACHER

Karen Macher (Lima,1979)nos habla acerca de su obra "Tejer-destejer":

"Cuando una mujer es consciente que quiere ser o que va a ser madre, sabe que este acontecimiento cambiará su vida. Va a dejar de ser ella, va a dejar de pensar en sí misma, para pensar en la personita que se está formando. Va a "destejer" su chompa para cederle a su hijo el material necesario para que algún día, a medida que va creciendo vaya tejiendo la suya. Es el círculo de la vida: se desteje una para que otra pueda tejerse". En este proyecto utilizo la pieza tejida como metáfora de la persona, la lana destejida y arrugada como sinónimo de experiencia , de herramientas de la vida que uno pudiera o quisiera transmitir a su descendencia. Los videos van hacia adelante y hacia atrás, como una manera de resignificar el tiempo, como si fuera una cienta de moebius que no acaba, que no tiene ni un principio ni un final".

FOTOGRAMAS VIDEO TEJER-DESTEJER

GLORIA MARTIN

"El hogar de los milagros" por Gloria Martín para Re Genero;

"Últimamente he trabajado con la idea del hogar y he desarrollado una serie de pinturas y esculturas alrededor del concepto de “Casa”, uno de los aspectos que más me interesaban era la casa como cofre de recuerdos, como relicario. Y es este último punto, el que tomaré como inflexión para el desarrollo de esta obra, uniéndolo con otro aspecto de mi trabajo, la memoria colectiva y la tradición.

La idea surge de mi interés por las fotos antiguas, me gusta trasladarme al pasado, indistintamente si es familiar o es anónimo. Y moldearlo a mi antojo, e inventarme un espacio atemporal donde puedo jugar con lo que fue y lo que pudiera haber sido.
Reflexioné sobre el poder psicomágico y terapéutico que éstas tienen, y descubrí que también se emplean como exvotos, y es en este concepto en lo quiero basar mi proyecto.

La palabra exvoto es un término culto procedente del latín que designa al objeto ofrecido a Dios como resultado de una promesa y de un favor recibido. Es decir, una promesa materializada en un objeto. El hábito cultural de ofrecer exvotos a las divinidades en el mundo se pierde en los orígenes de la humanidad y ha sido una tradición muy común tanto en España como en Latinoamérica. Me interesa la idea del ritual mágico-religioso basado en la creencia de que los seres sobrenaturales poseen poder para interrumpir favorablemente el curso del destino.

La obra consistirá en una composición de piezas pictóricas cincuenta lienzos, de pequeño formato y diferentes dimensiones, en la que se representarán mayormente y de forma pictórica, fotografías familiares propias y pertenecientes a personas de mi entorno. La obra se basará en el factor acumulativo como principio estético, simulando las estancias en las que se disponen dichas ofrendas. El proyecto tiene un carácter abierto, ya que en mi metodología de trabajo dejo espacio a la improvisación".

Os mostramos algunas fotos que Gloria nos ha avanzado.

ANTONIA PEÑA

Aquí os presento el texto y las imagenes de Antonia Peña, que para Re-Genero participa con cuatro fotografías de la serie, "Leave alone".

Antonia Peña habla sobre el proyecto;

" Este proyecto al cual me uno junto con otras artistas, en este caso mujeres ,para mi es un honor, pues yo, como fotógrafa, tanto a nivel profesional como artístico siempre trabajo con la mujer, e incluso me autorretrato para poder entenderme “algo” y más tarde poder llegar a una complicidad con otras mujeres y poder captar unos sentimientos, emociones, sensaciones y expresión del cuerpo, es decir un juego a nivel mental entre la sensación y el puro sentimiento.Un personaje de la vida no sacado de la vida, la diferencia es tenue pero esencial.
Esto es un viaje que me lleva al encuentro de la vida esencializada, es lo que se llama el fondo poético común. Se trata de una dimensión abstracta, hecha de espacios, de luces, de colores, de materias, de sonidos, que se encuentran en cada uno de nosotros. Estos elementos se acumulan en nosotros a partir de nuestras diversas experiencias, de nuestras sensaciones, de todo lo que hemos mirado, escuchado, tocado y saboreado.
Todo eso queda en nuestro cuerpo y constituye el fondo común a partir del cual van a surgir los impulsos de creación.
En mi proceso es necesario llegar hasta ese fondo poético común para no quedarse en la vida tal cual es, o tal como aparenta ser. Así me remonto a una creación personal e íntima.
Para poneros en antecedentes sobre mi anterior trabajo artístico, os comento, es un proyecto, digo es, por que consideró que es el único que nunca tendrá un final, bueno sí, hasta que yo ya no esté en este mundo. Se llama “Leave me Alone”, son todo Autorretratos míos, la verdad, es que me siento muy satisfecha con él y creo que con el transcurso del tiempo más aún. Llevo con él cinco años y ya lo he expuesto en Madrid, Toronto, Rusia, Galicia, Toledo. Asturias....Me ha dado mucha satisfacción a nivel personal y me ha abierto alguna puerta. En él reflejo mi interior cosa que sin ningún tipo de tapujo y vergüenza poca gente o mujeres harían.

Lo que muestro con todo placer y como primicia para Re Genero, digo esto, pues es mi último proyecto el cual aún no ha sido expuesto individualmente en una Galería, sí participó una obra en la Feria DEARTE 08 Madrid, es “Simbiosis de Sueños Líquidos”, por cierto de todo este trabajo os envío cuatro fotos, sin incluir la foto de la feria de Madrid.

Con estas cuatro obras lo que intento abarcar es mi “esencia”, es decir, la base teórica de Julia Kristeva en su definición de “abyecto”.
Con lo cual, en ellas voy a mostrar la parte más íntima de una manera muy subjetiva y por supuesto dejando ver mis encantos y desencantos.
Quiero decir que me siento muy identificada con la teoría de Julia pues llevo años inconscientemente tratando este tema, con Leave me Alone.

En mis fotografías que como ya he dicho casi siempre son mujeres, por supuesto como supongo imaginareis la figura materna está siempre presente en mí; lo primero porque es lo que más admiro y de vez en cuando también pienso que todas las manías que ella tiene que yo no soportaba, ahora las tengo yo.
Ella me trajo a este Universo y aunque ese día cortaron el cordón que físicamente nos mantenía inseparables en todos los niveles, nunca se ha roto. Siempre seguiremos unidas.
De ahí muchos de nuestro hábitos, costumbres y.....Ej.: posición fetal".

"Ser Marino"

La inocencia, dulce, sensible, seguro en su elemento y en su propósito en la vida, andrógeno.

"Mujer con la vergüenza al descubierto"

Femenina, erótica, sexy, provocadora, un sueño dulce y maravilloso.

"Pícara"

Ser o no ser descubierta, inseguridad, cobardía, miedo.

"Lo que yo llamo mujer"

Sensible, femenina, inteligente, segura en su elemento y de sus actos, sexy, con sigilo y utilizando desde la cabeza hasta los pies.
Nuestra intuición Femenina, con la complicidad que nos une.
Disfrutando de la vida o al menos intentándolo.
Existir es sentir, ya lo dijo Rousseau
Y viviendo la vida y no que ella nos viva a nosotras.

Antonia Peña

MARÍA JOSÉ GALLARDO

MJ Gallardo (Badajoz, 1978) quiere homenajear a su madre en esta exposición, ya que como señala, es la persona a la que más quiere y la que más le desespera, y lo hará con la obra "MS Vitrina de trofeos" que consiste en 15 lienzos de 50x50 cm. que ofrece a su madre a modo de tributo aludiendo a diferentes momentos significativos de su vida.

Aquí os muestro un avance;

PILAR CANO

Pilar Cano ( Sevilla, 1980) ha realizado para la exposición un juego de memoria y actividades.

Es una obra que permite al espectador interactuar a través de las diferentes piezas, formando distintas composiciones.

Aquí os dejo las palabras de Pilar sobre la obra:

“La hedonista exige su derecho a la felicidad a cualquier precio.”
Julia Kristeva.

Esta afirmación se hace realidad, y en su más amplio sentido, desde la infancia. Mas tarde seguimos exigiendo ese derecho, cambiándolo de nombre o enmascarándolo en responsabilidades o deberes que nos eximen de cosas que no queremos hacer.

Con esta obra se crea un discurso sobre ese vínculo tan cotidiano y peculiar, que lleva a la práctica el dicho popular; “ni contigo, ni sin ti”.

Crecemos desarrollando una personalidad propia, pidiendo intimidad, adquiriendo nuevos deberes y sobre todo, nuevos derechos.
Pero, ante cualquier desastre, ¿quién no se ha sorprendido pensando o exclamando; madre mía!?.

El recurso de los recortables es sólo una excusa por la que traducir un lugar común en lo cotidiano de cada mujer, los textos que lo acompañan nos recuerdan afirmaciones (que no sentencias) por las que todas pasamos alguna vez, ya sea como pensamientos o recibidas como crítica.

Este juego es apto para mayores y pequeños, hombres y mujeres. La única intencionalidad es crear la mayor familiaridad de la que cada uno esté predispuesto.

Por favor, jueguen.


INSTRUCCIONES: Un juego que estimula la mente.
Mezclar las fichas cara abajo y colocarlas formando un rectángulo. Cada jugador levantará dos fichas por turno y ganará el que encuentre más frases gemelas.

Algunas imagenes...

ISABEL TALLOS

Isabel Tallos ( Madrid, 1983) Nos presenta su obra "Inhabitadas"

La espera como ejercicio existencial.

Una de las escenas más sublimes de la película El espejo de Andrei Tarkovsky nos presenta a una mujer esperando la llegada de su marido. Cuentan que durante el rodaje la actriz no conocía el desenlace de la escena, ella tenía que esperar, simplemente esperar.

El director no le había dicho si su marido, ausente durante varios años, iba a aparecer en algún momento o no.
La genial Margarita Terekhova nos brinda una interpretación extraordinaria, apoyada en una valla, frente a un camino que se abre hacia el campo abierto, proyecta la espera al nivel absoluto. No tiene ninguna expectativa. La espera se desprende de su dimensión temporal; ni ella, ni los espectadores, tenemos referencia de cuándo comenzó la espera ni de cuándo va a terminar. Nuestra atención es incapaz de desprenderse de esas imágenes, que
nos absorben completamente, elevándonos a ese espacio atemporal.

Cuando la espera se realiza como ejercicio existencial, el acto puro de esperar se convierte en la única razón del ser. Los aspectos meramente accidentales como: a quién o qué se espera, desde cuándo o hasta cuándo se va a esperar, dejan de tener importancia. La espera, infinitamente destilada, participa de una paradójica soledad. El sujeto se encuentra sólo, pero no es una soledad desgarradora, es la soledad del que atiende pasivamente la venida. Ese abandono a la espera permite la quietud y la armonía.
Las estaciones de tren parecen construidas exclusivamente para esperar. La vías son la frontera entre el sujeto y su esperanza. Orientan la atención evitando que la vista se dirija hacia cualquier otro lugar. Cuando se espera en una estación, los demás viajeros son meros elementos prescindibles, de la misma manera que el mobiliario y decoración del edificio.
En las estaciones nos encontramos siempre solos, aunque eternamente rodeados.

El universo subjetivo del que espera es un espacio despojado, como las estancias de Inhabitadas. Estas son fruto de la simbiosis entre esas estaciones, lugares idílicos de la espera, y celdas, lugares de clausura y recogimiento. Las instantáneas tratan de capturar el
acto puro de espera, elevándolo a una categoría cuasireligiosa.
Imperios de quietud, imperios de esperanza.

MAITE CAMACHO

Maite Camacho ( Madrid, 1978) estará presente en RE GENERO con " De tripas corazón".

Se trata de una videoinstalación compuesta por dos imágenes que corresponden una, un primer plano de la tripa de la artista y la otra un primer plano de la tripa de su madre. El audio que se escuchará, es el registro de la respiración de ambas y tendrá mucha presencia ya que se convierte en el vínculo real entre los cuerpos.

La obra se plantea desde la dualidad, los polos enfrentados que se atraen o se repelen. Conexiones que superan lo puramente físico y remueven un remolino en nuestro estómago.

Así siente Maite, la unión a la madre, al origen, un dilema eterno entre agradecimiento/dependencia e incomprensión/ruptura.



La pieza busca mostrar las dos imágenes como un reflejo la una de la otra, fragmentadas e inconexas incapaces de ocupar realmente el lugar del otro pero siempre sensibles a lo que le pase.

El sonido de ambas respiraciones es el que hace de cordón y une, atravesando el lugar del público.